Objets du Moyen Age

 Un même thème avec des tailles, des matériaux différents voilà le thème de cette séance. 

Le vitrail.

  

La lumière vient vers nous contrairement à de nombreux autres matériaux. la perception des clairs et des foncés est donc fort différentes. Contrairement aux vitraux présentés dans les églises ceux-ci sont à la hauteur de nos yeux, nous pouvons donc en lire aisément l'image et en apprécié les détails. 

Finesse de la grisaille, en contraste avec le graphisme des plombs.

Importance des plombs qui partagent les surfaces de couleur, Les lignes noires créent un rythme de forme. 

L'image est morcelée, sa lecture en est compliquée, à nous de découvrir sa signification. Les anciens connaissaient par transmission orale le sens de ces représentations. Il suffisait de reconnaître une partie de l'image pour en connaître l'histoire. 

Les personnages sont mis dans un espace n'indiquant aucun lieu, la force des surfaces et de leur couleur supprime tout sensation de volume et de profondeur ce qui est renforcé par les formes décoratives qui entourent l'illustration. L'image est plate, sans relief. 

La couleur des vitraux est ample, forte, pleine.

 

Ivoire, bas relief ou statuette.

Une de mes pièces préférées de tout cet ensemble du moyen âge.

 

Comment la technique influence le travail de l'artiste.

Le format des bas-reliefs en ivoire sont souvent de petite taille. L'artiste doit ce plié à ce format, dans ces deux croquis, la partie rouge correspond au personnage principal qui semble coincé dans l'espace qui lui est imparti.

La forme des défenses d'éléphant impose une courbe très particulière au sculpture que les artisans du moyen âge ont su exploité.

 

Petite sculpture dont les plis ont inspiré ce croquis. 

 

Les stries de certains ivoires ont inspiré ces croquis.

 

L'ivoire est matériel dur, donc difficile à sculpter. La finesse de la ciselure est impressionnante. L'ivoire prend la lumière qui met en valeur la taille de l'ivoire, les ombres permettent la douceur avec les nuances de gris. Il y a ambivalence entre la froideur et la dureté du matériau et la douceur de la sculpture.

Les statuettes présentent le volume, parfois recherché dans les bas-reliefs, et souvent absent dans la tapisserie, le vitrail, les émaux de cette époque. Avant la Renaissance sur les supports plats, l'artiste donne priorité au support plutôt qu'au réalisme.

 

Objets usuels, métal, pierre.

Objets en matériaux durs. La forme a primé sur le matériaux pour la réalisation des croquis. 

 

 

 

Ecritures différentes pour des matériaux différents.

   

 

 

Mosaïque

Nous retrouvons l'ambiance des mosaïques romaines (pour la technique) et Byzantines (technique et iconographique).

Les tesselles minuscules donnent à voir la patience demandée pour la réalisation de ces mosaïques. Rythme des traits donnant la forme, contraste des couleurs, des valeurs.

Tapisseries

 

 

Ce matériaux plat, lourd, se détache du mur ce qui nous montre sa souplesse. Le tissage nous donne à voir un matériaux avec une certaine rugosité, envie de toucher, de ressentir cette matière sous les doigts. Les couleurs passées leur donnent un aspect suranné.

Email Champlevé sur cuivre doré.

 

Cuivre gravé où l'on creuse des cavités afin de déposer l'émail en poudre qui sera vitrifié après cuisson. Rigidité du matériau contraste entre les traits et les surfaces, entre le relief et le plat, l'émail et le métal. Finesse du dessin qui circule comme un fil sur la surface. Circulation et séparation. 

Prises de notes en terre

Actuellement nous travaillons avec des poses de 15-20 mn afin de rester dans la prise de notes et non dans le résultat terminé. Cela permet d'explorer, d'aller dans de nouvelles directions, de sortir de la copie de la pose et de découvrir les possibles avec la terre.

le regard sur la pose du modèle pour la sculpture et différent de celui sur la pose pour le dessin ou la peinture. Le volume avec ses creux, ses bosses permettront un jeu de vide et de plein en modelage ce qui n'est pas toujours le cas en dessin. La perception du corps du modèle est vraiment différente.

La terre permet de passer directement de la vue à la main, sans intermédiaire contrairement au dessin réalisé avec des crayons, matériaux qui ressemblent aux stylos avec lesquels on écrit. On passe de la perception à la réalisation sans chercher à comprendre, à analyser.

En mettant en place la main sur l'épaule l'élève a pris conscience de la tendresse du geste, perception jamais ressenti en dessin ou en peinture.

 

 

  

 

    

  

 

Prise de note de la position du buste et des jambes, les bras sont laissés de côté.

 

Exagération des pieds

 

 

 

    

 

Juste comprendre la position du bras.

Cette note pourrait être un début de sculpture, son rythme est fort intéressant.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Réalité et couleur

Quelle réalité choisissons nous. Il semble simple de dessiner en noir et blanc. La forme est la définition des choses, si l'on suprime la couleur la figuration est toujours là. Pour moi, suprimer la couleur est une vrai abstraction pour le thème de la nature. Tout dessin d'après réel, couleur ou noir et blanc est une astraction, nous passons de trois à deux dimensions. Il est possible à mes yeux de travailler juste la couleur sans dessin tout en étant dans la figuration lorsque que nous sommes dans la nature bien que cela soit vraiment difficile. Il est aussi possible de choisir de réaliser le dessin et de travailler la couleur en fonction de notre perception en accentuant les couleurs ressenties.

 

 

 

 

En ce promenant dans la serre de Nouvelle Calédonie, dire par le croquis l'essence de la plante dessinée.

  

 

 

 

Ce dessin me raconte une histoire.

  

 

Reprise en couleur à la maison dans le détail on peut voir la subtilité de la  recherche colorée

   

A partir d'un même lieu, d'une même feuille, celle du Philodendron.

 

  

 

Raoul Dufy, la fée electricité

Jeudi nous avions rendez-vous au musée d'art moderne de la ville de Paris pour découvrir la peinture de Raoul Dufy "la Fée Electricité".

Les participants n'ayant pas de carnet de croquis, nous n'avons pas dessiné comme d'habitude. Nous avons partagé sur ce que nous découvrions au fil du temps.

Pour commencer nous avons regardé le rythme des lignes de composition de la partie gauche de la peinture, ses lignes obliques, ses accents de noir avec les cravates, les noeuds papillons.

Ensuite nous avons observé la partie droite avec ses horizontales, ses sinueuses. L'audace de sa tache rouge qui dynamise la surface.

Nous nous sommes arrêté les thèmes travaillés, les savants avec des portraits réalistes pour les hommes de son époque, des portraits vivants pour les anciens, Dufy ayant commencé avec les grecs.

 

 

L'inclusion du thème de l'électricité dans les paysages. Plus nous regardions cette peinture plus nous réalisions le travail colossal de documentation, de préparation, d'esquisses. 

Le travail de croquis m'a manqué, le dessin permet de rentrer dans une oeuvre plus par la sensation, qu'avec notre intelligence. l'oeuvre ce dévoile petit à petit au fil du crayon.

 

Article tiré du site de MAM 

 

Comme Léger, Delaunay et beaucoup d’autres artistes, Dufy reçut pour l’exposition de 1937 la commande de décorations monumentales, notamment celle du mur concave du hall du Palais de la Lumière et de l’Electricité, édifié par Mallet Stevens sur le Champs-de-Mars. Il se plie au programme du commanditaire, la Compagnie parisienne de Distribution d’Electricité, pour raconter La Fée Electricité à partir du Rerum natura de Lucrèce. Dans cette composition de 10 mètres sur 60, se déploie de droite à gauche, sur deux registres principaux, l’histoire de l’électricité et de ses applications, depuis les premières observations jusqu’aux réalisations techniques les plus modernes. Dans la partie supérieure se déploie un paysage changeant où, sont disséminés les thèmes favoris du peintre : voiliers, nuées d’oiseaux, batteuse, bal du 14 juillet. Le long du registre inférieur sont disposés les portraits de 110 savants et inventeurs ayant contribué au développement de l’électricité.
Mêlant la mythologie et les allégories à l’exactitude historique et à la description technologique, Dufy joue sur l’opposition des contraires. Au centre les dieux de l’Olympe et les générateurs de la centrale électrique reliés par la foudre de Zeus ; la nature primordiale et les architectures ; les travaux et les jours et les machines modernes. Formellement aussi, les registres de couleurs chaudes s’opposent aux froides, avec les dominantes chromatiques nettement différenciées selon les zones. Ce double cheminement narratif se résout en apothéose, avec l’envol d’Iris messagère des dieux, fille d’Electra qui vole dans la lumière, au dessus d’un orchestre et des capitales du Monde diffusant toutes les teintes du prisme.

La méthode utilisée par Dufy permit une grande rapidité d’exécution (10 mois depuis la conception à la réalisation) grâce à un médium mis au point par le chimiste Jacques Maroger qui permettait de retirer aux pigments leur opacité et de retrouver «  les secrets perdus de la peinture à l’huile des anciens, leurs couleurs brillantes, ductiles, transparentes ». En réalité, ce fa presto dissimule un grand travail à partir d’études préparatoires sur des modèles peints nus puis en costumes, de dessins reportés au calque pour trouver la disposition des groupes puis projetés grandeur nature sur les panneaux à l’aide d’une lanterne magique.
Donnée par l’Electricité de France, cette décoration monumentale fut installée au musée en 1964.

Article tiré de Wikipédia

« Mettre en valeur le rôle de l'électricité dans la vie nationale et dégager notamment le rôle social de premier plan joué par la lumière électrique », tel était l'objectif de la commande passée à Dufy par la Compagnie parisienne de distribution d'électricité pour être montrée au Pavillon de l'Électricité à l'Exposition Universelle de 1937. 

 

Aidé de son frère et de deux autres assistants, Raoul Dufy réalise, dans un hangar mis à sa disposition de la Centrale électrique de Saint-Ouen, une peinture aux dimensions monumentales, commencée en avril 1936 et achevée un an plus tard. Le tableau est formé de 250 panneaux en contreplaqué indéformable parqueté sur bois et cintré (afin d'épouser la courbure de la charpente métallique du Pavillon de l'Électricité), mesurant chacun 2 m de hauteur sur 1,20 m de largeur. Il utilise une peinture à l'huile très légère, conçue par le chimiste Jacques Maroger, donnant une illusion de gouache et séchant très rapidement. Les personnages sont dessinés à l'encre de chine, puis les couleurs sont portées par dessus. 

Les deux-tiers du temps prévu pour l'exécution de la Fée Électricité ont été consacrés à la documentation sur les hommes et les machines.

Les personnages, une centaine, sont répartis en deux foules de savants, d'Aristote à Pierre Curie, dont les travaux sont associés à l'essor de l'électricité.

 

 

Le motif central représente les Dieux de l'Olympe trônant au-dessus de l'ultra-moderne centrale électrique de Vitry sur Seine, dont Raoul Dufy avait rapporté de nombreux documents. Le registre supérieur se déroule à la façon d'un panorama (se lisant de droite à gauche). On peut y voir de nombreuses scènes de moisson, de navigation, d'industrie...et de pèche.

 

 

 

 

 

Exposition Robert Wilson

Nous avons découvert l'exposition "Living rooms", au Louvre, mercredi. Ce fut une belle surprise. Bien qu'incongru dans ce lieu cette accumulation bien ordonnée d'oeuvres venant du monde entier nous a enchantée.

  

 

 

 

 

 

 

 

Voici quelques photos de pièces qui m'ont raconté une histoire.

  

 

Nous nous sommes promenés dans l'exposition, chacun choisissant les oeuvres qui nous ont émus. J'ai été surprise par l'organisation symétrique des étagères.

     

  

 

 

 

 

 

    

Jeux d'ombre

 

  

 

Similitudes entre pièces contemporaines et pièces traditionnelles.

 

 

Texte venant du site du Louvre

Pour son intervention au Louvre, Robert Wilson a choisi le titre « Living Rooms », car il transpose au coeur du musée le lieu où il vit, travaille, conserve et partage avec artistes et public sa collection personnelle au Centre Watermill aux États-Unis.

En investissant un ancien bâtiment de la Western Union, près de New York, Robert Wilson a conçu un lieu qui lui ressemble pour conserver sa collection d’art, ses archives et expérimenter sans contrainte, en invitant de jeunes artistes en résidence. Les éléments qui constituent « The Watermill Collection » sont fascinants par leur rôle dans son processus créateur. Les oeuvres d’art océaniennes y côtoient les céramiques chinoises archaïques, les photographies contemporaines, les chaises de toutes époques et les objets trouvés. Toutes ces choses, très hétéroclites et très hétérogènes en qualité semblent la matière première, brute, que l’artiste distille ensuite. Dans l’esprit des collections surréaliste, et plus particulièrement d’André Breton, cet assemblage nous parle moins des objets que du regard de l’artiste qui les a choisis et  associés.

Conçue par Robert Wilson, la scénographie de l’exposition évoquera la manière dont ces oeuvres l’entourent dans sa vie quotidienne et sont une source permanente d’inspiration.

Commissaire(s) :

Robert Wilson et Philippe Malgouyres, conservateur au département des Objets d’art du musée du Louvre.
Avec la participation de Noah Khoshbin, conservateur de The Watermill Collection.
Production exécutive Change Performing Arts.

Biographie de Robert Wilson : cliquez ici

 

Croquer, gribouiller, prendre des notes,

Prendre des notes, c’est saisir UN ESSENTIEL avec RAPIDITÉ, c’est engranger des informations en vue d’un travail plus abouti c'est «économiser», c'est «inventer» c’est apprendre à trier, hiérarchiser, synthétiser, c’est se constituer une « mémoire de papier ».

Prendre des notes permet de matérialiser les renseignements (image, matière, contraste....), et l'inspiration d, sau momentns autre travail que de les saisir au vol. Il est important de ne pas s'appesantir sur une note. Il est difficile de s'arrêter à temps. souvent  la note est alourdi, et part vers un dessin. 

Prendre des notes va permettre de découvrir vers où l’on peut aller, c’est comprendre ce que l’on voit devant soi, ce qui nous parle, ce qui nous est personnel. C’est se donner la liberté de «rater». C'est une façon de réfléchir et d'accepter de ne pas savoir à l'avance ce que l'on va trouver devant nous.

Prendre des notes partout :  devant la télévision, dans le métro, pendant une insomnie, au téléphone, etc.

Les notes n'ont qu'un destinataire, en principe : leur propre auteur.

Nous formons ainsi un vocabulaire personnel composé de signes graphiques, de couleur... Toute expérience peut être tentée, et toute sorte de risques encourus. Que de liberté !!

Partir en voyage et faire son carnet de voyage est une façon de prendre des notes. Voilà ce que j'ai proposé depuis la semaine dernière.

 

Une erreur de manipulation et toutes les photos se sont envolées. Pour voir les croquis du Louvre il vous faudra attendre un peu. 

 

Voici le travail du muséum.

 

Entre le fond et la forme, les espaces vides, les éléments devant et ceux qui sont derrière ...  

 

Le dessin permet une sélection bien plus aisée que ne le permet la photo. Pour montrer un rythme de verticale, une  similitude   de forme entre l'oeuvre de Tsury Gheta de nombreux éléments ont été supprimés.

 

 

 

 

 

Maud travail les éléments devant / derrière depuis le début de l'année.  

 

 

Mise en place du sujet

 

Autour de la feuille, de sa forme, de son accroche

  

  

Petit voyage dans la serre en s'amusant avec les matériaux.

  

Petit voyage dans la serre des déserts en notant une des caractéristiques de chaque cactus.

Premier lundi, prise de note d'une composition au crayon, foisonnement de renseignements, qui les lundis suivants sont repris pour une prise de note dans le détail avec aquarelle. Difficulté de la précision lors de prises de notes in situ, l'instalation étant précaire.

 

 

 

  

Personnellement j'ai choisi de travailler à partir des grilles recouvrant le système de chauffage de la serre tropicale. Quel rythme entre les droites répétées des grilles et les volutes du feuillage ? Je cherche ce qui au premier regard m'a frappé, je n'ai pas encore trouvé.

Pour commencer les feuilles mortes sur les grilles sans la grille, puis avec la grille.

Par la suite la grille est réalisée de mémoire avec différentes formes de feuillage.

  

  

Les photos comme brouillon comme échauffement. 

  

   

  

  

  

           

 Savoir s'installer confortablement.