Exposition Robert Wilson

Nous avons découvert l'exposition "Living rooms", au Louvre, mercredi. Ce fut une belle surprise. Bien qu'incongru dans ce lieu cette accumulation bien ordonnée d'oeuvres venant du monde entier nous a enchantée.

  

 

 

 

 

 

 

 

Voici quelques photos de pièces qui m'ont raconté une histoire.

  

 

Nous nous sommes promenés dans l'exposition, chacun choisissant les oeuvres qui nous ont émus. J'ai été surprise par l'organisation symétrique des étagères.

     

  

 

 

 

 

 

    

Jeux d'ombre

 

  

 

Similitudes entre pièces contemporaines et pièces traditionnelles.

 

 

Texte venant du site du Louvre

Pour son intervention au Louvre, Robert Wilson a choisi le titre « Living Rooms », car il transpose au coeur du musée le lieu où il vit, travaille, conserve et partage avec artistes et public sa collection personnelle au Centre Watermill aux États-Unis.

En investissant un ancien bâtiment de la Western Union, près de New York, Robert Wilson a conçu un lieu qui lui ressemble pour conserver sa collection d’art, ses archives et expérimenter sans contrainte, en invitant de jeunes artistes en résidence. Les éléments qui constituent « The Watermill Collection » sont fascinants par leur rôle dans son processus créateur. Les oeuvres d’art océaniennes y côtoient les céramiques chinoises archaïques, les photographies contemporaines, les chaises de toutes époques et les objets trouvés. Toutes ces choses, très hétéroclites et très hétérogènes en qualité semblent la matière première, brute, que l’artiste distille ensuite. Dans l’esprit des collections surréaliste, et plus particulièrement d’André Breton, cet assemblage nous parle moins des objets que du regard de l’artiste qui les a choisis et  associés.

Conçue par Robert Wilson, la scénographie de l’exposition évoquera la manière dont ces oeuvres l’entourent dans sa vie quotidienne et sont une source permanente d’inspiration.

Commissaire(s) :

Robert Wilson et Philippe Malgouyres, conservateur au département des Objets d’art du musée du Louvre.
Avec la participation de Noah Khoshbin, conservateur de The Watermill Collection.
Production exécutive Change Performing Arts.

Biographie de Robert Wilson : cliquez ici

 

Croquer, gribouiller, prendre des notes,

Prendre des notes, c’est saisir UN ESSENTIEL avec RAPIDITÉ, c’est engranger des informations en vue d’un travail plus abouti c'est «économiser», c'est «inventer» c’est apprendre à trier, hiérarchiser, synthétiser, c’est se constituer une « mémoire de papier ».

Prendre des notes permet de matérialiser les renseignements (image, matière, contraste....), et l'inspiration d, sau momentns autre travail que de les saisir au vol. Il est important de ne pas s'appesantir sur une note. Il est difficile de s'arrêter à temps. souvent  la note est alourdi, et part vers un dessin. 

Prendre des notes va permettre de découvrir vers où l’on peut aller, c’est comprendre ce que l’on voit devant soi, ce qui nous parle, ce qui nous est personnel. C’est se donner la liberté de «rater». C'est une façon de réfléchir et d'accepter de ne pas savoir à l'avance ce que l'on va trouver devant nous.

Prendre des notes partout :  devant la télévision, dans le métro, pendant une insomnie, au téléphone, etc.

Les notes n'ont qu'un destinataire, en principe : leur propre auteur.

Nous formons ainsi un vocabulaire personnel composé de signes graphiques, de couleur... Toute expérience peut être tentée, et toute sorte de risques encourus. Que de liberté !!

Partir en voyage et faire son carnet de voyage est une façon de prendre des notes. Voilà ce que j'ai proposé depuis la semaine dernière.

 

Une erreur de manipulation et toutes les photos se sont envolées. Pour voir les croquis du Louvre il vous faudra attendre un peu. 

 

Voici le travail du muséum.

 

Entre le fond et la forme, les espaces vides, les éléments devant et ceux qui sont derrière ...  

 

Le dessin permet une sélection bien plus aisée que ne le permet la photo. Pour montrer un rythme de verticale, une  similitude   de forme entre l'oeuvre de Tsury Gheta de nombreux éléments ont été supprimés.

 

 

 

 

 

Maud travail les éléments devant / derrière depuis le début de l'année.  

 

 

Mise en place du sujet

 

Autour de la feuille, de sa forme, de son accroche

  

  

Petit voyage dans la serre en s'amusant avec les matériaux.

  

Petit voyage dans la serre des déserts en notant une des caractéristiques de chaque cactus.

Premier lundi, prise de note d'une composition au crayon, foisonnement de renseignements, qui les lundis suivants sont repris pour une prise de note dans le détail avec aquarelle. Difficulté de la précision lors de prises de notes in situ, l'instalation étant précaire.

 

 

 

  

Personnellement j'ai choisi de travailler à partir des grilles recouvrant le système de chauffage de la serre tropicale. Quel rythme entre les droites répétées des grilles et les volutes du feuillage ? Je cherche ce qui au premier regard m'a frappé, je n'ai pas encore trouvé.

Pour commencer les feuilles mortes sur les grilles sans la grille, puis avec la grille.

Par la suite la grille est réalisée de mémoire avec différentes formes de feuillage.

  

  

Les photos comme brouillon comme échauffement. 

  

   

  

  

  

           

 Savoir s'installer confortablement.

Autour des arbres.

Après avoir réalisé des études de petits paysages avec documents photographiques et choix d'ambiance colorée à partir d'un document de maître Camille a choisi de travailler sur le thème des troncs d'arbres.

 

  

 

 

 

Avant de peindre le fond, positionnement des troncs avec du scotch.

  

 

Mise en place des arbres avec le scotch, impression sur papier léger après coup

  

 

Une peinture de troncs sur le monotype.

 

Préparation d'un fond avec du papier annuaire. Les colonnes de texte vont créer un rythme que le couleur va animer.

   

Partant vers l'abstraction voici un travail en grand format. Les premières sont au format raisin, les suivantes au format 0,50 x 1m. 

    

 

 

Après l'abstraction une peinture à partir d'une photo de Paris

Pour la reprise de janvier les arbres sont toujours là. Cette fois ci tout un lot de photos au mur, réalisation d'un travail personnel s'inspirant de cette sélection de document. Travail de matière entre huile dilué et peinture épaisse, travail de la touche, du geste...

    

 

 

  

Un samedi pour le dessin et la peinture

Nous avons commencé par des croquis dans l'exposition "l'école en image" du Petit Palais. L'ambiance est très agréable donnant un aperçu de l'ambiance des écoles dans les années trente. Les esquises, gouache, aquarelle, pastel et même huile, nous présentent des compositions rythmées par des aplats clairs, foncés,...

Une des contraintes du croquis dans les musées c'est le choix des matériaux que l'on apporte avec soi. Pour Alexandra le choix a été les crayon Néocolor de Caran d'Ache. Une petite gamme de 8 couleurs, utilisée pour rendre le rythme des surfaces du fond de ce tableau.

 

 

  

    

 

 Rythme des angles.

   

Les outils et les hommes.

 

 

 

 Le mère en bleu, l'enfant en rose, la chatte et ses chatons.

    

Autour des clairs

   

Par la suite nous nous retrouvons à l'atelier. Ayant travaillé autour du thème des aplats le matin, nous avons continué l'après-midi, quelle rythme d'aplat choisir dans l'univers de l'atelier.

Les étagères, le tabouret,

    

Rythme des pots de couleurs sur l'étagère. Travail qui rejoint une recherche vers le rendu de matière avec le geste et la couleur.

  

Le rythme de la peinture de gauche a évoqué un paysage qui a donné la peinture de droite. Ces deux peintures après séchage seront reprises la semaine prochaine.

  

Les planches et les chevalets. Pastel sur gouache

 

 

 

 

Projet de travail de transparence avec du calque, pour une prochaine séance.

 

Texte tiré du site du Petit Palais. 

L’exposition présente les esquisses joyeuses et colorées peintes pour décorer les murs des écoles parisiennes de 1880 à 1935. Ces esquisses conservées au Petit Palais illustrent le rôle emblématique du décor dans la mise en œuvre d'une pensée moderne appliquée à la pédagogie et à l'environnement de l'enfant.

Ces commandes faites aux artistes furent menées à l’initiative de la Ville de Paris dans un souci de « simplicité, de gaieté et de jeunesse». En 1932 le Conseil de Paris vote un crédit de 10 millions de francs pour lutter contre les effets de la crise économique en aidant la création et  l’artisanat. Les écoles embellies et modernisées ont bénéficié en priorité de ce nouvel élan. Les peintres, en accord avec l’architecture moderniste des nouveaux groupes scolaires parisiens, ont renoué avec la technique exigeante de la fresque qui connaît alors un nouvel essor.

Dans l’exposition, petits et grands, vont retrouver l’univers familier de l’école communale symboliquement représenté par les trois lieux les plus caractéristiques de la vie scolaire : le préau, la classe, la cour de récréation. Chaque espace présente des œuvres originales, une documentation photographique et des installations ludiques multi sensorielles.

 Commissaires :

Isabelle COLLET, Conservateur en chef
Fabienne COUSIN, Responsable du service éducatif et culturel du Petit Palais
Marie MONFORT, Conservateur du patrimoine
Marc VERDURE, Conservateur du patrimoine

Polyptyque de Monique Frydman

  

Face au travail de Monique Frydman j'ai choisi comme thème de travail  le rythme des lignes dans les tableaux de la peinture italienne du XIIIe - XVe. 

5 maîtres de la Renaissance

 

 

 

 

L'adoration des Mages de Giovani de Franco 

La bataille de San Romano  Ucello

 

 

Stigmatisation de St François de Giotto

   

Couronnement de la Vierge de Fra Angelico

 

  

Scènes de la vie de Virginie de Fillipino Lippi

 

    

 

 

  

 

Texte tiré du site www.louvre.fr

En écho à l’exposition « Le printemps de la Renaissance. La sculpture et les arts à Florence, 1400-1460 », l’artiste contemporain Monique Frydman présente une oeuvre monumentale dans le salon Carré.

Cette nouvelle production s’inspire de l’une des plus importantes commandes du Quattrocento, le Polyptyque de Borgo Sansepolcro (1437-1444) du peintre siennois Stefano di Giovanni, dit Sassetta (1400-1450). En 1437, il avait été invité par les frères du couvent San Francesco de Borgo Sansepolcro à réaliser un immense polyptyque à deux faces, véritable chef-d’oeuvre destiné à prendre place sur le maître-autel. De ce retable démembré dès la fin du XVIe siècle, le musée du Louvre conserve trois panneaux du registre principal de la face antérieure (dont deux montrés actuellement) et deux panneaux de la prédelle postérieure (aile Denon, salle 4).

Monique Frydman, qui dès la fin des années soixante-dix conduit une recherche picturale strictement abstraite, reprend la structure de ce polyptyque double face, en s’attachant à retranscrire la poétique, la volupté de ses tonalités. « La trouée du temps est là, dit Monique Frydman s’exprimant sur le polyptyque. Ce qui est perdu, démembré, relance le temps et dans cet effacement ne subsiste que le manque dont notre mémoire et notre regard restituent la présence. » L’artiste poursuit au travers de cette nouvelle réalisation un travail sur la spatialité picturale et sur la présence, initié dans sa récente série des Witness.

Commissaire(s) :

Pauline Guélaud
 

L'exposition : Le printemps de la Renaissance, Florence.

Après deux séances dans les salles de la sculpture italienne XIVe - XVIe

nous avons continué dans l'exposition temporaire 

Le Printemps de la Renaissance 

La sculpture et les arts de Florence

Exposition très riche, qui, pour moi va dans trop de directions différentes, techniques variées, thèmes et ambiances nombreux. 

Sur deux séances, nous avons réalisé des croquis sur les thèmes :

Le lien entre les personnages

L'influence des matériaux sur notre regard, notre émotion.

Prises de notes écrites, dessins descriptifs, croquis personnels.

 

    

  

   

    

 

   

 

 

 

    

Texte tiré du site www.louvre.fr

 « Le printemps de la Renaissance » retrace la genèse de cet immense mouvement artistique et culturel qui naît dans la Florence républicaine du début du XVe siècle.

Au début de la Renaissance, une nouvelle vision de l’homme dans son rapport à l’univers et à l’histoire se met en place à Florence. L’exposition présente les oeuvres conçues à partir des innovations majeures, souvent liées à l’antiquité classique, qui transformèrent la conception de l’art en Occident. L’invention de grandes figures inscrites dans un contexte humaniste autant que chrétien, les débuts de l’utilisation de la perspective mathématique par les artistes, le développement de nouveaux sujets comme les petits esprits (spiritelli), ou de nouveaux types de sculptures, comme le monument équestre ou le portrait en buste, sont quelques-uns des thèmes qui incarnent cette nouvelle conception du monde.

Les sculptures de Donatello forment l’un des fils directeurs du parcours à travers quelques-uns des grands chefs-d’oeuvre de celui qui apparaît comme l’artiste le plus créatif du siècle. Elles n’éclipsent cependant pas le travail magistral d’autres sculpteurs illustres comme Ghiberti, Luca della Robbia, Michelozzo, Desiderio da Settignano ou Mino da Fiesole. Les panneaux de Brunelleschi et de Ghiberti pour le concours de la seconde porte du Baptistère de Florence (1401), le Saint Matthieu de Ghiberti ou le Saint Louis de Toulouse de Donatello, les terres cuites émaillées de Luca della Robbia ou la série de bustes florentins comptent au nombre des oeuvres majeures où se manifeste l’extraordinaire éclosion créative de la Florence du Quattrocento.

Commissaire(s) :

Marc Bormand, conservateur en chef au département des Sculptures du musée du Louvre et Beatrice Paolozzi Strozzi, directrice du musée national du Bargello.,