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Nous avons passé cinq séances, et à chaque fois nous avons eu du plaisir, de l'émotion face au dessins qui nous sont proposés. Délicatesse, précision, suggestion, impression, expression, ....
Nous avons travaillé le trait et sa la valeur qui donne rythme, modelé...
Vous pouvez visualiser les images dans une nouvelle fenêtre en cliquant dessus.
J'ai vécu cette exposition comme une déambulation poétique inspirée par le foisonnement de pièces présentées, leur diversité de provenances géographiques comme diversité de temps. N’ayant pas lu le livre de Monsieur Attali, ni d’autres analyses complémentaires, je ne me risquerai pas à juger la teneur du discours qui est tenu ici. Je vous propose dans cet article les dessins réaliser lors des séances de dessin du mois de novembre par le groupe du mercredi.
Les commissaires de l'exposition ont choisi de faire dialoguer des pièces insignes du passé avec des créations contemporaines afin d'éveiller les consciences et ouvrir un débat. Se voulant véritable projet politique, elle se pose en « vigile de l’avenir » pour reprendre les termes de Jacques Attali.
On se demande même si cette exposition n’aurait, en fait, pas mieux sa place au Musée de l'homme.
Nous nous retrouvons dans la peinture flamande du XVe et XVIe siècle. C'est un bonheur, je retrouve tout ce que j'aime dans la peinture et rester devant un tableau nous permet de le découvrir sous plusieurs facettes.
Anthonis Mor van Dashort le nain du cardinal Granvelle et son chien.
Rigueur de la composition, qualité de l’exécution, précision du détail, qualité du portrait donnant le caractère du personnage,
Force de la ligne.
Le regard entre le chien et son maître.
Rythme des lignes jambes et pattes qui répond à celui du vêtement.
Recherche sur le visage du personnage.
Détail
Cornelius de Visscher portrait d'une veuve de quarante ans
Jeu de relation entre les personnages que la position des blancs renforce.
Les noirs relient également les personnages entre eux.
La couleur brune que l'on retrouve dans le cadre de l'homme et dans la robe de l'enfant donne le lien entre l'enfant et l'homme qui est son père décédé. j'admire ce peintre qui a su répondre à la demande de son client en exprimant tant de choses sur la vie de famille. Nous avons parlé de ce tableau et de la couleur de la peau de l'enfant, de la direction de son regard, et de se ressenti que nous avions de cet enfant fantôme. Dans ce tableau on sent la maitrise des techniques de peinture de composition, et le désir d'exprimer une vision du monde dans lequel le peintre vit.
Quelques détails.
Nous avons travaillé sur le thème du blanc comme couleur.
Portrait de femme, Hollande XVIe siècle.
Portrait d'homme attribué à Martin de Vos.
Portrait de femme de Lucas Cranach l'ancien.
Composition personnelle avec le tableau "St Jérôme" de Patinir. et intégration des personnages du tableau "Jésus au Jardin des Oliviers" de Barend Van Orley.
L'épopée des rois Thraces est une exposition d'un point de vue de l'archéologie, nous présentant des pièces époustouflantes de capacité technique, de richesse, avec une grande variété de thèmes, bijoux objets d'apparat, aussi nous avons pris le temps de découvrir, de contempler avant de dessiner. Il est tentant de dessiner chacune des pièces que nous aimons l'une à la suite de l'autre, mais finalement il y en a trop, il nous faut faire un choix.
Chaque participant va choisir l’optique de son travail,
Graphisme écriture et matière
Plaisir de la ligne
Tête de Seuthès
Utilisation des jeux d'ombre.
ombres de la couronne sur des pièces de monnaie. Ombres portées rythmant la page.
Différents portraits, visions différentes de la représentation du visage.
Les Rythons
Dessins descriptifs
Les Jambières
Objet d'apparat
Encore quelques dessins
Peinture de Rubens "Le Banquet du roi Térée" présente dans l'exposition.
Texte provenant du site du Louvre.
En exposant pour la première fois plusieurs ensembles funéraires majeurs dans leur globalité et en confrontant ce matériel, en partie inédit, avec celui des cités grecques littorales, cette exposition propose une exploration de la Thrace antique à travers les différentes composantes du royaume odryse. La réunion, jamais opérée jusqu’ici, des objets de la tombe royale de Seuthès III et la magnifique tête en bronze du roi, seront le point fort de la présentation.
La Thrace antique reste attachée à la figure emblématique d’Orphée, ainsi qu’aux différents rois thraces – Rhésos, Térée… – qui rythment l’univers mythologique grec. Pourtant, cette région, située entre mer Égée et mer Noire, vit l’émergence sur ses terres d’un puissant royaume dirigé par les Odryses. Il devint par son dynamisme un interlocuteur incontournable dans les conflits régionaux qui animèrent le sud-est de l’Europe à partir du Ve siècle av. J.-C. Nourri par les échanges nombreux qu’il entretint avec les Grecs, les Macédoniens, les Perses et les Scythes, il sut affirmer une identité originale au service d’une aristocratie tumultueuse et guerrière. La vitalité de l’archéologie bulgare a permis, ces dernières années, de redécouvrir cette civilisation en mettant au jour des tombeaux exceptionnels qui témoignent de la richesse économique, sociale, culturelle et artisanale de la Thrace antique.
Commissaire(s) :
Commissariat général : Jean-Luc Martinez
Commissaires français : Alexandre Baralis, Néguine Mathieux
Commissaires bulgares : Totko Stoyanov, Miléna Tonkova
De nouveau dans les salles des objets d'art, la question récurrente "quelle est la différence entre un tableau et un panneau décoratif, une sculpture et un objet décoratif " est toujours dans ma tête. Choix entre décoration, esthétique, désir de plaire, de correspondre au goût de son époque, expression personnelle de son sentiment sur le monde, tant de possibles s'ouvrent à l'artiste.
Souvent la présentation va orienter notre regard face à une œuvre. La peinture de chevalet présentée encadrée nous paraîtra plus "sérieuse" qu'une tapisserie, ou un panneau décoratif sur une porte. Fréquemment il sera demandé plus de légèreté à tout élément à qui l'on demande de décorer la pièce pour la rendre agréable.
Pour moi la différence n'est pas évidente, je peux me laisse emporter par un objet décoratif alors qu'une sculpture ou une peinture me laissera indifférente. Derrière ce questionnement il y a celui du pourquoi peindre, quelle est la place de l'artiste dans notre société, quelle différence entre l'art et l'artisanat, sachant que le peintre était considéré comme un artisan jusqu'au XVIème siècle. Lors de la présentation de mes recherches sur le tissus, j'ai souvent des réactions qui m'étonnent, par exemple : "pourquoi ne pas travailler sur de beau papier, ou sur toile, ce sont des matériaux plus nobles"...
Objet d'art de Sèvres et sculptures en marbre de Canova, de Houdon
Peintures, panneaux décoratifs, tapisserie, d'Oudry.
Peinture de Boucher et tapisserie carton de Coypel.
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Voici quelques interprétations face aux salles des objets d'arts.
Ambiance dans le musée.
A partir des objets scientifiques de la salle Nicolas et Marcelle Landeau.
C'est une petite exposition avec une dizaine de tableaux du XVIIème au XIXème siècle qui va continuer jusqu'au 27 avril 2015.
J'ai aimé les tableaux, leur diversité, j'ai aimé les cartels précisant le contexte où les tableaux ont été réalisés.
En lien avec les peintres américains, une peintre de Chardin.
L’émergence de la nature morte américaine.
Genre peu valorisé selon les hiérarchies académiques européennes, la nature morte a connu des débuts assez confidentiels aux États Unis. Les peintres du Nouveau monde lui préfèrent le portrait ou le paysage, qui suscitent davantage l’intérêt des commanditaires, comme l’ont montré les précédentes expositions.
Raphaelle Peale "Maïs et melon".
Au tout début du XIXe siècle, le développement de l’économie américaine permet l’émergence d’une nouvelle catégorie d’acheteurs, amateurs de représentations d’objets évoquant leur vie quotidienne et leur succès. Empruntant à l’Europe les codes traditionnels de la nature morte, il les adapte à son public pour partager sa vision de l’abondance américaine. Melon cantaloup, patate douce et maïs évoquent les grandes plantations, en particulier celle du premier propriétaire du tableau, le Dr Benjamin Lee, dans le Maryland.
Le naturalisme du milieu du siècle
Si la nature morte est d’abord accueillie avec hésitation, elle s’épanouit pleinement vers le milieu du siècle. Les sujets deviennent plus luxueux : aux fruits et légumes viennent s’ajouter fleurs et gibier, reflétant l’évolution des goûts liée à l’accroissement de la richesse et de la production industrielle.
Avec l’émergence de collectionneurs fortunés et curieux des natures mortes hollandaises du siècle d’or, des artistes comme Martin Johnson Heade (1819-1904) se font une spécialité de peintures particulièrement élaborées au symbolisme subtil.
Martin Johnson Heade. Nature morte aux fleurs de pommier dans une coquille de nautile.
1870, huile sur toile Peintre itinérant de portraits, de paysages et de sujets marins, Martin Johnson Heade commence à s’intéresser aux natures mortes florales au début des années 1860. Ses premiers essais dans le genre, relativement simples, se réduisent à de petits arrangements de fleurs posés sur une table ou disposés dans des vases et autres contenants. Cependant, son intérêt pour la flore va se renforcer à la suite de deux voyages qu’il fait en Amérique du Sud [...]. Développant ses talents, il va devenir « un illustrateur précis et élégant de sujets d’histoire naturelle », peignant les délicates images de colibris, d’orchidées et de fleurs de la Passion.
Quand Heade peint "Still Life with Apple Blossoms in a Nautilus Shell",en 1870, ses compositions de table ont évolué en complexité et en raffinement : désormais, elles comportent tout un éventail de variétés florales et une constellation de plus en plus riche d’objets naturels ou créés par l’homme [...]. Les fleurs de pommier parlent le langage des fleurs, faisant allusion à la « promesse d’une abondance de fruits délicieux » mais aussi à la tentation d’Ève [...].
Sa peinture réunit la beauté de la nature et la beauté matérielle des biens de ce monde. Les fleurs, bien qu’ayant des connotations symboliques et qu’étant placées au centre de la composition sur fond d’un mur recouvert d’un treillage, ne sont pas seules à être porteuses de significations. On remarquera aussi la coquille de nautile référence à Vénus, la fille de Neptune, le coffret à bijoux partiellement recouvert par un lourd rideau en velours, le chapelet en perles terminé par une croix qui retombe sur le bord de la coupe ornementée, l’éventail légèrement ouvert, orné d’un gland qui pend et occupe une position précaire près du bord arrondi de la table, et, enfin, le gant à festons, négligemment repoussé sur le côté. À une époque où la production est de plus en plus mécanisée et la consommation de plus en plus ostentatoire, ces objets luxueux occupent une grande place dans la signification codée du tableau et donnent à son espace illusionniste une dimension très nettement féminine
Nature morte fleurs de pommier dans un Nautilus, peint en 1870, est un habile pastiche de la peinture nordique ou des vases de fleurs d’Abraham Mignon, dont une œuvre est présentée dans l’exposition. La virtuosité des drapés, la délicatesse des fleurs évoquent un contexte de séduction qui inaugure sans doute un nouveau rapport au luxe et à la sociabilité dans la société américaine
Trompe - l’œil et symbole
La guerre de Sécession provoque une rupture. Les peintres de natures mortes, tel William Harnett (1848-1892), de nouveau focalisés sur des objets spécifiquement américains, se font une spécialité dans le trompe-l’œil aux résonnances volontiers symboliques parfois subversives. Véritable spécificité de la nature morte américaine de la seconde moitié du XIXe siècle, l’usage du trompe-l'œil fait écho à l’émergence d’un goût populaire pour les peintures dites de «bric-à-brac», les collections éclectiques et les objets exotiques. S’inscrivant dans la longue tradition de l’illusionnisme visuel, le trompe-l'œil est aussi une mise en cause des valeurs matérialistes de la société et de la corruption de la classe politique. Ainsi, Small Change de John Haberle met en exergue le rapport à l’argent dans l’Amérique au plus fort de son essor économique : désacralisée, la monnaie sert à maintenir un petit autoportrait qui semble placé là comme un défi aux autorités. Le spectateur est invité à être le complice de l’illusion, mais aussi, guidé par l’artiste, à en déchiffrer le code
Extrait du communiqué de presse de l'exposition New Frontier ,
Fastes et fragments.
Aux origines de la nature morte américaine
Le Louvre poursuit son exploration de l’histoire de la peinture aux États-Unis. Cette quatrième et dernière étape illustre l’essor progressif de la nature morte au cours du XIXe siècle.Alors que les peintres américains ont trouvé aisément des commanditaires pour les portraits ou les paysages, la nature morte a connu des débuts relativement confidentiels. Raphaelle Peale (1774-1825), le premier, s’illustre par une production austère et efficace où les produits cultivés en terre d’Amérique se trouvent mis en valeur, comme dans Maïs et cantaloup. À la génération suivante, avec l’émergence de collectionneurs fortunés et curieux des natures mortes hollandaises du siècle d’or, des artistes comme Martin Johnson Heade (1819-1904) se font une spécialité de peintures particulièrement élaborées au symbolisme subtil.
La rupture de la guerre de Sécession provoque une faille et les peintres de natures mortes, tel William Harnett (1848-1892), de nouveau focalisés sur des objets spécifiquement américains, déploient leur inspiration dans le trompe-l’oeil aux résonnances volontiers symboliques, parfois subversives.
Commissaire(s) :
Guillaume Faroult, conservateur en chef au département des Peintures du musée du Louvre et Stephanie Mayer Heydt, conservateur de l’Art américain sous le parrainage de Margaret et Terry Stent, High Museum of Art, Atlanta.
Texte provenant du site du Louvre
