Le Louvre exposition Luca Penni

Bonjour

Cette semaine nous avons dessiner dans l'exposition Luca Penni.

A notre arrivée l'enthousiasme nous a déserté. Peu de dessins de Luca Penni, beaucoup de gravure que nous avons trouver moins intéressantes. En prenant le temps de découvrir cette exposition, nous avons trouvé une richesse historique. Cette exposition nous montre l'importance des gravure pour la diffusion et donc la connaissance d'un style. comment les dessins sont repris dans l'artisanat (céramique, bronze....). Des explications de techniques de gravure, de contexte historique, de date d'impression des gravures ... m'ont manqué. Au final après avoir dessiner plus d'une heure, je suis sortie, ainsi que les élèves contante de cette séance.

 

J'ai proposé comme piste de travail, le mouvement.

 

 

 

 Introduction du cheval dans les murs de Troie

 

 

 

 

 

On ressent  bien la force déployée par les personnage.

 

 

 

 

 

 

 

 

    Le combat des hommes nu, luttant à coup de

    massue

 

 

Version en droite, versions en courbe 

 

 

 

 

 

 

 

Différents titres pour ce tableau, 

 

 

 

Evolution du travail, avec une belle sensation de mouvement dans les deux premiers dessins, et une belle sensation de masse dans le troisième. Belle perception du vide entre l'assaillant et celui qui est a terre.

 

 

 

 

 

 

Rendu du mouvement global de la composition.

 

 

 

 

Le jugement de Paris 

 

 

 

 

 

 

 

Dessin de Luca Penni

Jupiter et Séléné

Gravure de René Boyvin

 

 

   Dans les gravures le travail des muscles nous a

   particulièrement étonné.

 

 

 

  

     Jésus succombant au poids de la croix

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

    Il y a une salle avec des gravures sur le thème des sept

    péchés capitaux.

 

On peut voir que quelques traits permettre de rendre le mouvement, les vides et pleins de la composition.

 

 

 

 

 

Travaux personnels à partir des dessins et des gravures.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Voici un article tiré du site du Louvre.

 

Luca Penni fit ses premières armes à Rome, auprès de collaborateurs du premier cercle de Raphaël. Mais il ne le copia jamais : si ses compositions trouvent bien souvent leurs origines dans les oeuvres de Raphaël, le trait est pur et simple, héritage des années passées sur les chantiers de Fontainebleau aux côtés de  Rosso et Primatice.

Bien que né à Florence, Luca Penni eut très probablement une formation totalement romaine auprès de  son frère, Gianfrancesco Penni, et de Perino del Vaga, tous deux collaborateurs de Raphaël. Il suivit Perino à Gênes avant de rejoindre la première équipe de peintres qui travailla sur le chantier du château de Fontainebleau, à l’invitation de François Ier. Là, il travailla avec Rosso, conducteur des travaux, et Primatice, dont il fut un temps l’égal. Il fut moins impliqué que ces derniers dans la conception du décor du château, mais contribua largement, avec le concours de nombreux graveurs, à faire connaître son style par l’estampe.

Après la mort de François Ier en 1547, Luca Penni quitta Fontainebleau pour s’installer à Paris. En  collaboration avec des burinistes parisiens, il continua son travail de diffusion du style de Fontainebleau en le transposant dans tous les domaines – armes, médailles, portraits… Il s’attacha à le rendre  accessible à une clientèle nouvelle, faite non seulement d’aristocrates, mais aussi de bourgeois. Traduisant souvent des oeuvres de Raphaël, Penni réalisa de nombreuses compositions philosophiques et se livra à l’interprétation de textes antiques. Homère, Virgile et surtout Ovide etLes Métamorphoses, offrirent à l’artiste la possibilité de mettre en scène son sens de la narration épique. Penni fit par ailleurs montre d’un sens aigu  de l’enchevêtrement des corps, multipliant les images fascinantes, érotiques ou historiques, séduisantes ou sanglantes, auxquelles il sut toujours donner un tour chorégraphique vif et gracieux. L’oeuvre de Penni est ainsi le fruit de l’héritage raphaélesque et de l’esthétique de Fontainebleau. Une évolution de style qui fera paradoxalement de lui l’inventeur du classicisme français à partir du maniérisme italien.

Luca Penni mourut en 1557, avant le printemps. Les burinistes continuèrent de graver ses dessins qui étaient excellents. Ses dessins furent recherchés. Les estampes furent recherchées. Louis XIV en acquit. Ce fut le début d’un engouement que le XXe siècle, attentif à la manière du XVIe siècle, devait amplifier. Ce fut le socle de ce que le Louvre montre aujourd’hui avec le concours des collections parisiennes.

Commissaire(s) :

Dominique Cordellier, conservateur en chef, département des Arts graphiques, musée du Louvre.

 

Louvre le 26 septembre

Comme prévu, voici les photos des séances dans la salle de la peinture siennoise.

             

 

         

      Bernadino Parenzo, XVème 

 

 

 

 

   Sassetta XVème.

 

 

 

 

Peselino, XVème siècle, histoire de  St François d'Assise. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Pietro Da Rimini, Déposition de Croix, trois versions de croquis.

 

 

  

 

 

Travail des applats de noir.

 

 

L'Alunno, XVème s!ècle.

 

 

 

 

 

Travail des noirs, noir - couleur,                  ou noir - ombre.

 

 

 

 

Lors de cette seconde séance nous avons travaillé les détails.

Voici une composition personnelle autour des mains et pieds.

  

Une étude de pieds. 

Etude de têtes et contour.

 

 

 

 

 

 

 

Personnellement, j'ai choisi les pieds et leur envirronnement.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

   

 

 

 

 

Giovani Fransesco Da Rimini

 

 

 

 

 

 

 

Au Louvre la peinture italienne. 1.

Durant plusieurs semaines, nous nous retrouvons au Louvre dans la peinture italienne.

Nous avons commencé par la peinture du XIVème au XVIème siècle.

 

Nous étions dans une salle présentant des petits et moyens formats. J'aime tout particulièrement cette peinture qui nous donne une image précise racontant des scènes bibliques ou des vies de saints, avec un sens de l'abstraction aussi grand que la précision du dessin des personnages et de leur environnement.

La couleur est à sa plénitude, les aplats colorés se succèdent avec aisance, les juxtapositions sont audacieuses. La perspective pointe son nez, avec des instants d'oubli qui créent des surprises dans la perception de l'espace. Le modelé est travaillé  dans les visages, les mains; il y a rupture avec les aplats colorés et pourtant l'unité du travail est bien là.

Je suis admirative devant cette capacité à travailler l'image figurative avec un rendu aussi loin de la réalité, en donnant une unité de pensée avec des moyens picturaux très variés; en outre, cette utilisation variée est à son maximum d'expression, la couleur est forte, les surfaces sont amples et précises, le dessin est rigoureux, les nuances subtiles et créent un contraste fort avec les surfaces plates. Les passages sont variés.

 

Nous retournons mercredi prochain dans cette même salle, je n'oublierai pas de venir avec mon appareil photo afin de vous faire partager ces merveilles.

Ste Anne de Léonard da Vinci

Nous avons dessiné dans l'exposition de Léonard da Vinci. Nous avions déjà vue cette exposition, même plusieurs fois pour certains, car cette exposition est magnifique. En dessinant nous restons longtemps devant l'oeuvre, et ainsi nous voyageons pas à pas dans le tableau.

 

Le thème du jour, la relation, la séparation, comment sont-elle rendues dans les tableaux et dessins qui nous sont proposés dans cette exposition.

 

 

 

Voilà le voyage de Muriel. Passant d'un tableau à l'autre, elle nous donne des versions différentes, relation par la composition; par les détails mains, visages; par le regard, par la couleur.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Maud a ressenti ce tableau comme une sculpture, nous avons donc une vision sous plusieurs angles. Puis devant la vierge au rocher, où les couleurs foncées ont envahies le tableau. Certains détails, ressortent, Maud les imagine comme un mobile à la Calder.

Par la suite, elle a choisi de faire un interprétation 

 

 

 

 

 

Je suis restée devant le tableau de Léonard toute la séance, plus j'avançais dans mon travail plus je découvrais le travail de Léonard da Vinci. Je suis admirative devant son sens de la composition.

   

 

 

 

 

 

 

 

J'ai beaucoup aimé la complexité de cet enchevêtrement de jambe, bras et pattes.

 

 

 

Monique voulait travailler sur le dessin d'arbre de Léonard da Vinci

 

 

 

 

 

Texte du Louvre

Chef-d’œuvre de Léonard de Vinci restauré avec le concours du Centre de recherche et de restauration des musées de France, la Vierge à l’Enfant avec sainte Anne est au cœur d’une exposition exceptionnelle rassemblant pour la première fois l’ensemble des documents liés à ce panneau.

Le début de la lente et complexe genèse du tableau remonterait à 1501, date de sa première mention dans la correspondance d’Isabelle d’Este. Léonard de Vinci ne cessa ensuite de perfectionner cette composition ambitieuse, qu’il laissa inachevée à sa mort en 1519.

Esquisses de composition, dessins préparatoires, études de paysage et le magnifique carton de la National Gallery de Londres – jamais présenté à côté du tableau depuis la mort de Léonard – illustrent, entre autres, cette longue méditation et rendent compte des différentes solutions successivement envisagées par le maître.

La présentation d’autres œuvres peintes de Léonard de Vinci permet par ailleurs de montrer en quoi la Sainte Anne est le véritable aboutissement des multiples et diverses recherches de l’artiste sur la nature et l’art.

Afin de donner toute sa dimension au caractère novateur de cette œuvre, l’exposition s’attache également à la replacer dans la tradition iconographique liée à son sujet (la Vierge à l’Enfant avec sainte Anne) et s’intéresse à l’influence considérable qu’elle exerça sur l’art italien du début du XVIe siècle.

Les hommages plus récents que lui ont rendus Delacroix, Degas ou Max Ernst témoignent enfin de l’influence durable de ce chef-d’œuvre.

Les belles heures du Duc de Berry

J'ai choisi le thème de la main pour cette séance. Main qui console, main qui guide le regard, main qui repouse, main qui soutient, main agressive......

 

Muriel a choisi le référencement en circulant dans la salle d'exposition.

En dernière minute

 

 

 

 

 

 

Maud a choisi trois scènes, les mains étant le moteur du choix des scènes et des dessins

 

 

 

 

 

J'ai choisi de travailler à partir de ce panneau

            

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Cour Khorsabad

De nouveau dans cette salle, face à cette majesté, cette sensation de hiératisme, nous nous sentons un peu en dehors. De rester deux heures durant à dessiner, nous pouvons nous approcher de ce monde différent du notre et apprécier cet art. 

 

 

 

Muriel a voulu faire un référencement des éléments décoratifs, le temps lui a manqué pour décliner chaque élément avec un matériau différent suivant le rendu désiré.

 

 

 

 

 

Maud a choisi le thème des mains et leur relief plus ou moins creux.Il est difficile de traduire les différentes épaisseurs de ces sculptures. Puis en dernière minute elle a choisi de dessiner cette main tenant le lion                      

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

J'ai choisi de rendre le rythme de ces bas reliefs.