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Entre aplats et décors. Nous avons rendez-vous devant les miniatures peintures avec de grands aplats, peu de volume et un décor encadrant le sujet parfois. chaque participant parcours les salles et choisi ce qui lui paraît adapté au sujet.
Nous avons également travaillé le thème du grand / petit.
Autour des animaux.
Autour du thème de la claustra.
Pour cette séance, un sujet commun de regard : l'échiquier.
Tout d'abord quelques photos.
Cet objet en cristal de roche, bois de cèdre, argent doré bronze me fascine. Précision du détail, finesse de la ciselure, délicatesse des contrastes, jeu de lumière musicale. En observant le damier, je vais de surprise en surprise, chaque carré est habité d'une petite fleur, et les pourtours du damier sont habités de petites saynètes.
Sensation de voyager vers un monde ou le temps n'existe pas.
Le carré forme fermée, monde où les pions se déplacent en marquant leur territoire, en montrant leur force. Le carré découpé en de multiples carrés, tout se joue, se déroule dans cet espace délimité.
Les carrés sont là illimités créant la limite.
Les pions rompent la répétition tout en étant dans la symétrie.
Voici les dessins.
Autour des anges
Autour des animaux
Par ailleurs, nous avons travaillé sur le thème des matériaux.
Le support en ronde-bosse, plat, bas-relief, haut-relief.
La sculpture equestre de Charlemagne, bronze.
Je peux tourner autour, je pose mes pieds l'un après l'autre, il me permettent de découvrir la pièce, àl'avant, à l'arrière, sur les cotés. Le rythme des vides, des pleins, l'espace laisse l'air passé. La lumière joue sur la matière lisse du bronze dévoilant des ombres du relief. La sculpture entourée de vide est bien stable sur son socle.
Triptyque "Déesis et saints"
Cet ivoire à la taille d'un livre, il suffit de fermer les deux panneaux pour le transporter sans aucune difficulté. Sur l'extérieur le relief est peu prononcé. Je voudrais le caresser afin d'en sentir le relief, les milles et unes nuances. La perception doit-être très différentes entre le toucher et la vue.
La sculpture intérieure est plus accentuée, les têtes des personages ressortent sur le fond.
L'objet rectangulaire, inscrit l'histoire dans son format, les personnages ne peuvent s'en échapper, d'autant que le rectancle de départ est lui même compartimenté.
Le cadre, ses limites, ses angles accentuent la sensation de droite nous avons quitté la rondeur de la sculpture de Charlemagne.
Céramique de Florence
La céramique la forme de l'objet est souvent déterminée par sa fonction. celle que j'ai choisie est un à fond plat.
Le sujet est inscrit dans un espace sans profondeur, le graphisme est aussi plat que la céramique, il crée une vibration qui habite tout l'espace. Le pinceau permet un geste souple qui donne le mouvement de la scène.
Le triomphe de Vénus
J'imagine le temps passé par l'artiste, faisant glisser son pinceau sur le panneau de bois, devant attendre que la première couche sèche avant de poursuivre son sujet. L'image s'intègre au format.
La tapisserie "L'offrande du coeur".
D'un fil à l'autre, la navette passe. Que de contrainte pour obtenir le dessin préparé sur le carton.
La tapisserie terminée il suffit de la rouler pour la transporter.
Nous avons découvert l'exposition "Living rooms", au Louvre, mercredi. Ce fut une belle surprise. Bien qu'incongru dans ce lieu cette accumulation bien ordonnée d'oeuvres venant du monde entier nous a enchantée.
Voici quelques photos de pièces qui m'ont raconté une histoire.
Nous nous sommes promenés dans l'exposition, chacun choisissant les oeuvres qui nous ont émus. J'ai été surprise par l'organisation symétrique des étagères.
Jeux d'ombre
Similitudes entre pièces contemporaines et pièces traditionnelles.
Texte venant du site du Louvre
Pour son intervention au Louvre, Robert Wilson a choisi le titre « Living Rooms », car il transpose au coeur du musée le lieu où il vit, travaille, conserve et partage avec artistes et public sa collection personnelle au Centre Watermill aux États-Unis.
En investissant un ancien bâtiment de la Western Union, près de New York, Robert Wilson a conçu un lieu qui lui ressemble pour conserver sa collection d’art, ses archives et expérimenter sans contrainte, en invitant de jeunes artistes en résidence. Les éléments qui constituent « The Watermill Collection » sont fascinants par leur rôle dans son processus créateur. Les oeuvres d’art océaniennes y côtoient les céramiques chinoises archaïques, les photographies contemporaines, les chaises de toutes époques et les objets trouvés. Toutes ces choses, très hétéroclites et très hétérogènes en qualité semblent la matière première, brute, que l’artiste distille ensuite. Dans l’esprit des collections surréaliste, et plus particulièrement d’André Breton, cet assemblage nous parle moins des objets que du regard de l’artiste qui les a choisis et associés.
Conçue par Robert Wilson, la scénographie de l’exposition évoquera la manière dont ces oeuvres l’entourent dans sa vie quotidienne et sont une source permanente d’inspiration.
Commissaire(s) :
Robert Wilson et Philippe Malgouyres, conservateur au département des Objets d’art du musée du Louvre.
Avec la participation de Noah Khoshbin, conservateur de The Watermill Collection.
Production exécutive Change Performing Arts.
Biographie de Robert Wilson : cliquez ici
Nouvel accrochage dans les salles de la peinture flamande du XVe. Cela permet de voir les peintures avec un oeil neuf.
Travail sur les thèmes :
Le sujet jusqu'au bout du cadre.
Les aplats vides ou habités.
Dirck Bouts la déploration du Christ
Entourage de Petrus Christus Pieta
Hans Memling Portrait de femme agée
Gerard David. Le tryptique de la famille Sedano
Travail sur le panneau de gauche
Atelier de Rogier van der Weyden, l'Annonciation
Ian Provost Emerencie mère de St Anne
et Ludger Tom Rong La sibylle delphique
Le Maître du feuillage en broderie la Vierge et l'enfant entourés d'anges
Face au travail de Monique Frydman j'ai choisi comme thème de travail le rythme des lignes dans les tableaux de la peinture italienne du XIIIe - XVe.
5 maîtres de la Renaissance
L'adoration des Mages de Giovani de Franco
La bataille de San Romano Ucello
Stigmatisation de St François de Giotto
Couronnement de la Vierge de Fra Angelico
Scènes de la vie de Virginie de Fillipino Lippi
Texte tiré du site www.louvre.fr
En écho à l’exposition « Le printemps de la Renaissance. La sculpture et les arts à Florence, 1400-1460 », l’artiste contemporain Monique Frydman présente une oeuvre monumentale dans le salon Carré.
Cette nouvelle production s’inspire de l’une des plus importantes commandes du Quattrocento, le Polyptyque de Borgo Sansepolcro (1437-1444) du peintre siennois Stefano di Giovanni, dit Sassetta (1400-1450). En 1437, il avait été invité par les frères du couvent San Francesco de Borgo Sansepolcro à réaliser un immense polyptyque à deux faces, véritable chef-d’oeuvre destiné à prendre place sur le maître-autel. De ce retable démembré dès la fin du XVIe siècle, le musée du Louvre conserve trois panneaux du registre principal de la face antérieure (dont deux montrés actuellement) et deux panneaux de la prédelle postérieure (aile Denon, salle 4).
Monique Frydman, qui dès la fin des années soixante-dix conduit une recherche picturale strictement abstraite, reprend la structure de ce polyptyque double face, en s’attachant à retranscrire la poétique, la volupté de ses tonalités. « La trouée du temps est là, dit Monique Frydman s’exprimant sur le polyptyque. Ce qui est perdu, démembré, relance le temps et dans cet effacement ne subsiste que le manque dont notre mémoire et notre regard restituent la présence. » L’artiste poursuit au travers de cette nouvelle réalisation un travail sur la spatialité picturale et sur la présence, initié dans sa récente série des Witness.
Commissaire(s) :
Pauline Guélaud
Une séance dans l'exposition sur l'origine de l'estampe en Europe.
Magnifique exposition avec la découverte de différentes techniques de gravures nous montrant le savoir faire, ainsi que les sujets de prédilection de l'époque.
Il y a de la douceur, de la force, de la créativité, de l'humour...
Voici quelques photos trouvées sur le web,
Nous nous sommes promenés dans les salles et voici nos croquis
texte tiré du site: http://estampe.hypotheses.org
L’estampe fut mise au point vers la fin du XIVe siècle en Occident. La première technique expérimentée fut la gravure sur bois ou xylographie très vraisemblablement en Allemagne du Sud. Peu d’exemplaires antérieurs à 1450 ont été conservés et encore moins de matrices, aussi, la présence au sein de l’exposition du Bois Protat, ancêtre emblématique de la gravure car considérée comme la plus ancienne matrice conservée en Occident, constituera-t-elle un événement et servira-t-elle de point d’ancrage et de fil conducteur à cette production qui resta populaire et importante tout au long du XVe siècle (voir ici un billet précédent sur cette matrice ).
Très vite, près de trente ans après l’invention de la gravure sur bois, les orfèvres saisirent l’occasion du marché ouvert par la xylographie pour graver des plaques de métal et en faire des tirages qu’ils gardaient comme modèles ou qu’ils vendaient.
Le domaine de l’estampe s’enrichit donc de nouveaux sujets et de nouvelles conceptions esthétiques. Semblablement au Bois Protat, cette production se trouvera présentée au sein de l’exposition autour d’une matrice gravée en métal en criblé, L’Annonciation, conservée au département des Objets d’Art du Louvre.
En moins de soixante-dix ans, les graveurs mirent donc au point les deux grandes techniques qui restent encore aujourd’hui celles employées par les artistes. Les premières estampes naquirent dans un contexte de bouillonnement expérimental incroyable, dont l’exposition souhaite rendre compte en montrant ensemble des œuvres fort différentes par leur esthétique.
Le succès de ces images multiples fut assurément au rendez-vous, comme en témoignent la large circulation de motifs passant de la xylographie à la gravure sur métal, la copie de thèmes populaires, comme celui de la Crucifixion ou encore des astuces techniques permettant de produire à partir d’une même matrice différentes saintes en série.
Cette expérimentation s’explique sans doute par la grande liberté qui caractérise le métier de graveur. Peu de sources permettent de connaître l’identité et la réalité sociale des praticiens de la gravure au XVe siècle, mais il est assuré que, contrairement aux autres corporations (sculpteurs, peintres, enlumineurs etc.), les graveurs ne furent pas soumis à des règles ni à unnumerus clausus régissant leur métier.
La demande en images était en effet forte et la gravure a parfaitement répondu à ce nouveau besoin, suscité par la dévotion du temps. L’immense majorité des gravures produites pendant cette période l’était dans un but de prière. Les communautés monastiques le comprirent d’ailleurs, lesquelles commandèrent des planches à des graveurs pour leur propre besoin, ou à des fins de catéchèse pour les laïcs dont elles avaient la charge. Mais certains usages plus étonnants existaient : la carte à jouer ou la carte de vœu… Quelques scènes plus profanes ou plus grivoises également, furent abondamment diffusées par la gravure sur métal, où l’on se plaisait à représenter la guerre entre les deux sexes ou à ridiculiser les moines…
Texte tiré du site www.louvre.fr
L’apparition de l’estampe en Occident constitue un phénomène majeur de l’histoire et de l’histoire de l’art. À partir de 1400, artistes et graveurs expérimentèrent diverses techniques permettant par l’impression d’une matrice gravée et encrée sur un support de créer et de diffuser des images multipliables à l’identique. Si les estampes circulèrent très vite partout en Europe, les régions germaniques en furent le foyer principal, bien avant que cette invention ne fût transposée dans le domaine de l’impression des textes par Gutenberg vers 1450.
L’exposition traite de l’apparition de ce phénomène en l’étudiant sur une période de soixante-dix ans, jusqu’au début de la carrière de Martin Schongauer, graveur rhénan qui changea fondamentalement le statut de l’estampe au sein des arts. En réunissant pour la première fois deux fonds majeurs en France et en Europe – la collection de la réserve du département des Estampes et de la Photographie de la Bibliothèque nationale de France et la collection Edmond de Rothschild du département des Arts Graphiques au musée du Louvre –, elle met en lumière les différentes étapes de l’évolution de l’estampe, ses acteurs et ses modalités de production, ses rapports avec les autres arts et ses usages.
À travers un choix d’oeuvres, l’exposition montre la diversité des thèmes illustrés. Support et instrument de la dévotion du temps, la gravure a aussi servi des sujets plus audacieux, comme celui du désir charnel ou des scènes de genre dont la teneur nous apparaît aujourd’hui encore bien familière.
Commissariat:
Séverine Lepape, conservateur, chef de service de l’estampe ancienne et de la Réserve, Département des Estampes et de la Photographie, BnF
Pascal Torres, conservateur en charge de la collection Rotschild, Département des Arts Graphiques, Musée du Louvre.
