Le monotype ouvre l'imagination.

Nous avons continué à travailler sur plaque de plexiglas, soit avec de l'encre typographique noire, soit à la gouache. L'encre typographique a un noir plus profond que la gouache. Il est difficile de maîtriser cette technique, souvent le résultat est fort différent de ce que l'on souhaitait. Il est fort intéressant de ne pas s'enfermer dans notre désir de résultats, ainsi peut-on s'ouvrir à ce qui nous est offert.

 

   

Avec un même dessin, les couleurs et les empreintes de matière créent une ambiance bien particulière.

Encre typographique noire et blanche sur papier kraft 28gr.deux impressions à partir d'une même trame.

 

 

Après la première impression de l'encre noire a été rajoutée sur une partie de la plaque pour ce deuxième essai, les enlevés sont réalisés avec un couteau.

Nous voyons les traces de l'outil qui appuyé sur le papier.

Trop de matières sur la plaque, tout c'est mélangé, résultat surprenant.

La deuxième impression est réalisée sans ajout de peinture sur la plaque.

Ici changement entre les deux impressions avec de l'ajout de matière.

 

Une mise en couleur différente pour chaque impression.

Monotype 28 novembre 2014

Sans le modèle nous avons approfondi la technique en prenant le temps d'expériences. Cette séance le support a été une plaque de Plexiglas et non du papier. Nous ne travaillons pas avec des encres spécifiques à l'impression. Nous avons essayé la gouache et l'huile. La mise en noire du support a été complexe sur la plaque car suivant la façon dont la matière était déposée elle glissée sur la plaque.

Pour être plus attentif au matériaux la première partie a été sans couleur.   Le dessin est souvent réalisé avec un couteau, une fourchette, soit sur la plaque, soit sur la feuille de première impression.

Deux impressions du même dessin au couteau.

L'éléphant avec une dessin au couteau,

une autre impression avec une grille réalisée à la fourchette.

Travail en couleur posée petit à petit, impression après chaque passage de couleur. Cette façon de procéder permet d'ajuster petit à petit le dessin l'ambiance colorée.

 

        

 

 

Monotypes 21 novembre 2014

Avec cette technique nous avons souvent des surprises. Il est nécessaire de comprendre les matériaux, de rentrer en "dialogue" avec eux. Trop de matière déposée sur le support va entrainer des bavures, des débordements des empâtements. Pas assez de matière va entrainer une impression illisible. Dans tous les cas des effets de matière apparaissent, découverte permanente réjouissante, qui nous amène à réfléchir au choix de dessin que l'on donne sur notre support. J'aime ce coté aléatoire de l'impression (que petit à petit on parvient à maitriser), il nous donne du recul face au sujet.

Impression avec les doigts dont on voit les traces.

Impressions sur papier de soie, déceptions. Difficultés de garder la trace du dessin choisi.

   

Dessin au couteau, à partir d'une pose de modèle ou d'éléments dans l'atelier

 

Collages avec les impressions, et certains supports.

 

Voici une des poses choisie debout, jeu de chapeau.

 

 

Expositions, Musée d'Art Moderne, le 22 novembre 2014

Ce samedi nous avons choisi de voir l'exposition de Sonia Delaunay et celle de David Altmejd. Les photos de cette note viennent pour la plupart, du site du musée et celui de l'artiste .  Les détails des installations en plexiglas photos de M.A.J.

DAVID ALTMEJD   :   FLUX

J'ai beaucoup aimais cette présentation. Grâce à la présence de nombreuses pièces, nous pouvons prendre le temps de rentrer dans le monde de l'artiste. Les premières pièces nous montre des têtes "détruites, construites ?" de première abord, j'ai eu du mal. Puis nous avons vu les constructions de miroirs. Pour moi cela m'a évoqué une perception du monde et de sa vacuité, la destruction de la terre par l'homme.

Puis les GÉANTS, hommes sauvages hommes hors de proportions, les représentations du corps en plâtre en construction ou en destructions, je ne sais pas. 

  

 

Arrive enfin les constructions en plexiglas je ne peux vous décrire les œuvres, ni vous exprimer par des mots ce que j'ai ressenti. Ce fut une découverte qui m'habite encore.

Cette pièce laboratoire, cabinet de curiosité, rassemble de nombreux éléments des œuvres de David Altmejt :  construction de fil, éléments de corps humain, animaux, noix, jeux de miroir....

   

 

   

 

Texte tiré du site du musée.

Le Musée d’Art moderne de la ville de Paris présente à l’ARC Flux, première rétrospective en France de l’œuvre de David Altmejd. Elle réunit des pièces inédites ou plus anciennes, ainsi que sa sculpture monumentale la plus récente et certainement la plus ambitieuse : The Flux and The Puddle (2014).
L’artiste travaille à même le flux psychique. Dans son univers de « rêveur définitif », l’action et la conscience fusionnent ; l’artiste domine le grotesque et l’abject, marie l’esthétique au « glamour », ses sculptures explorent les mondes du rêve et du cauchemar entre fascination et effroi.
L’exposition révèle un ensemble d’éléments, d’ « acquis artistiques » volontairement contradictoires : conceptuels ou processuels, entre virtuosité et ready made… Le flux lumineux, issu d’innombrables sources, naturelles et artificielles, se subdivise au gré des miroirs qu’il rencontre, fracassés ou intacts, suivant la fantaisie du sculpteur.
Proche des univers cinématographiques de David Cronenberg, de David Lynch ou de Jim Henson et marqué comme toute sa génération par l’œuvre de Matthew Barney, David Altmejd allie des composants mystiques et alchimiques à une esthétique éclatée, entre structure et dispersion. Théâtre de formes et d’organes en gestation, de cristaux en formation, son œuvre agit par strates, assemblant patiemment des sédiments mémoriels soudain réunis en une explosion jubilatoire et onirique.

DAVID ALTMEJD
Né en 1974 à Montréal, vit et travaille à New York. Il intègre la section “arts visuels” de l'Université du Québec à Montréal pour étudier le dessin et la peinture, il en ressort sculpteur en 1998. Passionné de sciences biologiques et de cinéma fantastique, il s’expatrie à New York. En 2001, il est diplômé des Beaux-Arts de l’université de Columbia. David Altmejd a représenté le Canada en 2007 à la 52ème Biennale de Venise avec l’installation « The Index » et a participé aux Biennales du Whitney Museum en 2004 et d’Istanbul en 2003.

COMMISSARIAT 
Directeur : Fabrice Hergott
Commissaires de l’exposition :François Michaud & Robert Vifian

 

L'exposition Sonia Delaunay est une rétrospective qui mets l'accent sur la création textile que j'ai pu découvrir. Cette exposition nous a permis de parler de couleur, matière, composition, ainsi que de la place de l'artiste et de l’artisan dans notre société. Quelle est la différence entre l'art et l'artisanat.

Texte tiré du site du musée.

Les couleurs de l’abstraction

Première grande rétrospective parisienne consacrée à Sonia Delaunay depuis 1967, l’exposition organisée par le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris rassemble, aux côtés de trois reconstitutions exceptionnelles d’environnements, plus de 400 œuvres : peintures, décorations murales, gouaches, estampes, mode et textiles. Cette monographie qui suit l’évolution de l’artiste de l’aube du XXème siècle à la fin des années 1970, met en lumière l’importance de son activité dans les arts appliqués, sa place spécifique au sein des avant-gardes européennes, ainsi que son rôle majeur dans l’abstraction dont elle figure parmi les pionniers.

Le parcours chronologique, largement documenté, illustre la richesse et la singularité de l’œuvre de Sonia Delaunay marquée par un dialogue soutenu entre les arts. L’ensemble des œuvres choisies révèle une approche personnelle de la couleur, réminiscence de son enfance russe et de son apprentissage de la peinture en Allemagne.

SONIA DELAUNAY
Tandis que Robert Delaunay conceptualise l’abstraction comme un langage universel, Sonia Delaunay l’expérimente sur les supports les plus variés (tableaux, projets d’affiches, vêtements, reliures, objets domestiques) et crée à quatre mains avec le poète Blaise Cendrars La Prose du Transsibérien et de la Petite Jehanne de France. Durant la Grande Guerre, son passage en Espagne et au Portugal coïncide avec un premier développement de ses activités dans les domaines du théâtre et de la mode qu’elle commercialise à Madrid dès 1918, puis à son retour à Paris dans les années 1920. La décennie suivante marque l’épanouissement d’une abstraction épurée, caractéristique du style international, et en harmonie avec l’architecture comme en témoignent les grandes décorations murales du Pavillon de l’Air de l’Exposition internationale des arts et techniques, présentées à Paris pour la première fois depuis 1937. Le rôle de « passeur » de l’artiste entre la génération des pionniers de l’abstraction et celle de l’après-guerre se manifeste à travers sa participation aux Salons des Réalités Nouvelles, son implication dans les projets d’architecture et sa présence au sein de la galerie Denise René. Dès l’après-guerre, la peinture de Sonia Delaunay connaît un profond renouvellement qui culmine, à la fin des années 1960, dans un art abstrait intensément poétique. Sa créativité formelle et technique s’exprime alors dans des œuvres monumentales (peinture, mosaïque, tapis, tapisserie) et son œuvre tardive connaît un ultime essor dans les albums d’eaux-fortes et les éditions Artcurial.

Servie par la reconstitution d’ensembles et de dispositifs inédits, et la présence de photographies et de films d’époque, l’exposition souligne le paradoxe d’une œuvre profondément inscrite dans son temps – de la belle époque aux années 1970 – et la constance des recherches formelles et la quête de synthèse des arts rendent également atemporelle.

COMMISSARIAT
Directeur : Fabrice Hergott
Commissaires de l'exposition : Anne Montfort et Cécile Godefroy 

Le Maroc médiéval

L'exposition du Louvre "le Maroc médiéval  nous à quelque peu déçues. Pourquoi une telle présence de pièces abimées, cassées, autant de photos ? Les quelques belles pièces présentes dans cette exposition sont noyées dans la masse. Le pourquoi de l'expo nous a paru complexe, d'autant que nous ne lisons pas la totalité des textes proposés, il faut choisir entre dessiner ou lire.

La piste de dessin proposé : petit / grand.

 Griffon, animal mythique, heurtoir en bronze...

     

Minbars et formes géométriques.

Les Minbars, sorte d'escabeau servant de chaire d'où le khatib (iman ou molhah) fait son sermon (khutba)  lors de la prière du vendredi dans une mosquée.

       

Portes et formes géométriques.

Lustre de la mosquée al-Qarawiyyin, de Fès, avec un tout petit encensoir.

Interprétations personnelles.

   

Texte tiré du site www.Louvre.fr

 

Du XIe au XVe siècle, une succession de dynasties – almoravide, almohade et mérinide – ont unifié un espace politique et civilisationnel centré sur le Maroc, et étendu jusqu’à l’Andalousie. Leurs conquêtes les ont menées du sud du désert du Sahara (frange nord de la Mauritanie) au nord de l’Algérie et de la Tunisie. L’influence de ces empires, unissant pour la première fois les confins de l’Occident islamique, a rayonné jusqu’en Orient. L’exposition (près de 300 oeuvres) permet d’appréhender cette longue et riche histoire, clef de compréhension du Maroc contemporain et source de sa modernité.

L’exposition incite à relire cette période d’apogée de l’Occident islamique, tant du point de vue historique qu’artistique. Elle présente ses plus belles réalisations dans les domaines du décor architectural, du textile, de l’ivoire ou de la calligraphie et replace cette puissante entité au centre des réseaux diplomatiques et commerciaux qui  furent les siens. « Le Maroc médiéval » invite à un voyage dans l’espace marocain et andalou, suivant un fil chronologique. Chacune des périodes historiques est ponctuée d’éclairages sur les lieux de pouvoir et capitales historiques, cités d’or et de lumière.

Commissaire(s) :

Yannick Lintz, directrice du département des Arts de l’Islam, musée du Louvre, et Bahija Simou, directrice des Archives royales, Rabat, Maroc.
Commissaires scientifiques : Claire Delery et Bulle Tuil-Leonetti, musée du Louvre.

Monotype, avec modèle.

Nous avons continué d'explorer la technique du monotype avec la présence d'un modèle.

J'ai choisi de proposer du papier épais et non une plaque de verre comme support. Cela permet de garder le support qui lui même devient une peinture. Il est possible de compléter une impression, pour cela il faut fixer le papier d'impression afin qu'il garde la même position pour pouvoir imprimer plusieurs fois.  Il est possible d'imprimer plusieurs monotype à partir d'un même support le résultat sera toujours différent.

Support à gauche, impression à droite.

 

Le support a été transformé pour la deuxième impression.

   

Avec la sculpture de Praxitèle.

Suite à une impression ratée une reprise avec dessin, collage, peinture.

Les premiers monotypes. Il est complexe face au modèle de découvrir la complexité de la technique des monotypes, et ses diverses possibilités. 

Le support a été transformé par les impressions multiples qui ont demandé un ajout de peinture à chaque fois.